La fiesta de TODOS los diablos

"Píllaro viejo, tierra querida, donde mi vida, yo he de dejar"

Niños tan chiquititos que no llegan ni a las rodillas, adolescentes que podrían pasar en su celular como tantos en su mismo rango de edad, los tíos, los primos, los hermanos, los abuelitos. Más llamativo que ellos, las ellas, las diablas que también son mamás, hermanas, etc. La diablada de Píllaro se compone de eso mismo, de todos los diablos y todas las diablas de todo Píllaro.

Hay muchas significaciones en los estilos de las máscaras, en los bailes, en los trajes, en lo que dicen, en lo que llevan (colas, sarigüeyas, cachos, dientes, cuernos, murciélagos, ratas y un larguísimo etcétera), nunca les falta el trago.

Yo me quedo con lo que significa en un tiempo como este, el poder reunirse como familia y como pueblo a no dejar perder una tradición muy muy de pueblo. Es energéticamente una inyección el ver a barrios bajar, a otros subir, a otros venir del este, otros del oeste y encontrarse todos vestidos de diablos en la parte central de Píllaro. Varios encuentros te hacen estar pendiente todo el tiempo, no saben si van a subir, o a bajar, si van a venir o van a irse.

La algarabía, la alegría, la energía, los cantos, la banda (lo correcto sería decir, las bandas) cada familia se organiza, cada barrio se organiza, y eso es algo muy digno de aplaudir, porque a veces uno en la ciudad se pasa semanas sin poder tomar una simple decisión Acá es una comunidad entera que se pone de acuerdo para hacer salir sus diablos durante seis días.

Me quedé encantada, fascinada, es la primera vez que asisto. Es muy simpático ver cómo en verdad son los extranjeros quienes más disfrutan de esta fiesta de pueblo ecuatoriana de la que no es lo mismo hablar o escribir que estar ahí. Ellos (los diablos) bailan, beben, ríen, gritan, te asustan, te hacen una que otra diablada si no estás pilas y así siguen por seis días.

Solo recomendarles visitar. No hay nada más bonito que lo que es nuestro, y les aseguro que de una u otra manera, si son diablos, se van a encontrar con su contraparte, y se van a sentir identificados.

Con el pretexto de la globalización

Mis vecinos escuchan todo el tiempo reguetón y bachatas. Me pregunto si conocerán lo que es un yaraví, un albazo, un pasacalle, un sanjuanito, etc. Cuando trabajé en el campamento infantil para recuperar el patrimonio, les enseñábamos a los niños a marcar cada compás de estos géneros y uno de ellos nos pidió que les enseñáramos reguetón. 'Si fuera un ritmo ecuatoriano, te lo enseñaríamos'.

Luego me pasa en los viajes. Recientemente viajé a Cuba y esperaba maravillarme con su fama de son, mambo, guaracha, guaguancó, etc. Hay que buscar para encontrarlo, porque a plena luz lo que se oye es reguetón; igualmente cuando estuve en Perú, primero está el reguetón, luego te puedes enterar de las decenas de ritmos 100% peruanos, pero a la primera orden del día, está el reguetón.

Los latinoamericanos no hemos entendido que el ser parte del mundo globalizado no significa comprar todo de fuera. Nuestros países están cargados de materia prima en las áreas agrícolas y culturalmente somos naciones riquísimas. ¿Por qué compramos tanto? Nuestros niños no saben distinguir entre una melodía propiamente de sus países de origen, porque no escuchan esa música. No reconocen sus lenguas porque solo aprenden inglés.

A excepción de Paraguay que ha hecho un gran trabajo por no perder el guaraní, los demás países a penas y reconoceríamos una lengua ancestral de alguna de nuestras comunidades indígenas; retroceder dirán algunos, pero es más bien formar identidad, no tenemos suelo como latinoamericanos y por eso nos pisan el poncho, porque no sabemos dónde pisar. Ya no pertenecemos a las cosas que nos hacen pasar como nuestras.

Ya nuestros jóvenes, no bailan la cueca chilena, el joropo colombiano, la música llanera venezolana, nuestras yumbadas ecuatorianas, ni siquiera saben si eso se baila o se danza, no saben qué es la saya boliviana. Para nuestros adolescentes la música andina, la música tradicional latinoamericana es una música 'chola' que solo escuchan los indígenas, y no se reconocen en esas músicas. No se reconocen en ellas pero tampoco pertenecen a esas otras que con cero contenido cultural buscan imponerse -y lo han logrado- como los ritmos populares del siglo.

A esto contribuye la globalización, que con el pretexto de abrir fronteras da pie a que en premiaciones a la música como los Grammy Latinos, Billboards, Viña del Mar (en menor medida) y demás festivales y premiaciones a la música, se reconozca a cientos de 'géneros musicales' que ya no tienen contenidos sesudos. En un foro se hacía un debate muy significativo de lo que sería premiar a Natalia Lafourcade por su disco musas, que es un homenaje al folclor latinoamericano, y a Shakira, que siendo igualmente latina se dedicó en sus últimas 'canciones' a rendir culto al comercio y sus letras carecen de sentido.

A esto contribuyen todavía más los medios de pseudo comunicación que solo miran para afuera, y no dan importancia a festivales como el OllinKan, el Womad, o a pequeños gestores musicales de comunidades muy metidas dentro de nuestros países. Los medios se convirtieron en prostitutas al servicio de las grandes potencias. No comunican, alejan. No contribuyen, destruyen.

Debemos aprender a mirar para adentro, nuestros países fueron educados para creer que todo lo que venía de afuera es mejor que lo que tenemos, pero la solución está dentro de nuestros mismos suelos. Nuestra música es bellísima, llena de compases, de letras que antes de ser creadas como músicas fueran creadas como poesía. El error está en nosotros mismos, en seguir cultivando la extranjerización como sinónimo de países 'en progreso'. Lo único que estamos logrando es perder nuestra identidad.

De fiestas, ferias y festivales

Estuve hace no mucho en un festival de teatro, para no herir susceptibilidades de los compañeros actores, no voy a decir ni cuál, ni cuándo, ni de qué obra voy a hablar. Sin embargo el encuentro festivalero era siempre muy rico y siento que ese contenido que llenaba el espíritu poco a poco ha cambiado.

Vimos con el grupo un par de obras, todas bien ejecutadas, todas con actuaciones soberbialmente buenas, todas con una buena estética, un buen vestuario, buena escenografía, y todo bueno. Al final del día, la sensación no era como en otros festivales ni en otros espacios... algo faltaba. Mucho tiempo después de meditar me percato, con ayuda de los criterios de otros compañeros que salieron del festival con las mismas sensaciones y las mismas lecturas, que faltaba discurso.

Tal vez por vagancia, o por facilidad, los discursos teatrales cada vez existen menos, ahora solo se pone en escena cualquier chiste fácil o cualquier cosa que hable de 'algo' no importa qué, y mucho menos importa el por qué. Ya lo había comentado América Paz y Miño en otra entrada de este blog (Azul, naranja, verde y espuma), que la estética del teatro iba a ser poco a poco y cada vez más pobre, y que se iban a perder los discursos.

El arte se supone, debe propender a que pase algo conmigo y dentro de mi ser, que yo me pregunte algo luego de recibir en mi espíritu arte, y que ya no sea el mismo o la misma, sino cómo explicamos que la gente deba "gastar" $500 en un cuadro en lugar de irse con ese mismo dinero de viaje, o por qué tendría alguien que pagar $10 de entrada al teatro y no comprarse con ese mismo dinero un combo de tropiburguer. La respuesta es justamente que el arte tiene que darme algo que nada más me da, un alimento espiritual que me permite cuestionarme cosas, que me permite preguntarme y volverme a preguntar, y luego de eso, cambiar de preguntas.

Cuando veo en los festivales que se habla de algún tema, pero que ese tema no invita al debate sino a hacer teatro por hacerlo, me pregunto si estaremos en la línea del facilismo. El maestro Arístides Vargas habla de que el artista debe estar en permanente estado de errancia, de itinerancia por no saber qué va a pasar consigo mismo y con el mundo que le rodea, se cuestiona todo y todo el tiempo. No hay discursos en el teatro.

Es muy triste, porque antes quienes estaban en las áreas de las artes eran seres de los que los artistas 'nuevos' o 'jóvenes' aprendíamos mucho, escuchar a cada artista era una cátedra, y ver alguna de sus obras era salir tocado hasta lo más profundo y sensible del ser, puesto que había mucho que decir y se decía, ahora tal vez hay mucho más, pero hay más miedo de decirlo o menos arrojo.

Este espacio pretende ser un llamado de atención a todos los compañeros artistas, de todas las artes. El arte es llamado y nació para ser político, para ser cuestionador, para ser contrapoder, para ser curioso y sin ser juez siempre fue parte de los de abajo, de los oprimidos. Está llamado a hacer pensar. Y si no, entonces que esté llamado a no ser.

El cuerpo salvajemente bello

Volviendo al único tema que llena el alma completamente y deja el corazón empachado de felicidad y nos aleja de las cosas horribles y feas, y tristes... está el arte. Encontré a Wild Belle, es una artista estadounidense que tiene una música súper atrapante que mezcla lo que parece pop en esencia, pero tiene atisbos de R&B y un poco de jazz, me la encontré hoy, y no dudé en que debía hacer saber de ella por lo menos a alguien más, es lo bueno de las redes hoy en día, se puede compartir lo bonito.

Cuando una quiere de pronto no pensar y solo sentir, y en el universo musical hay algunas que parecen sedantes como esta música, con esta artista que invita kinésicamente a empujarse a sí mismo a bailar, a disfrutar y a reírse, el cuerpo se encuentra con su naturalidad, con la libertad de vivir y de crearse una y otra vez, de reinventar el movimiento y cada línea y curva del cuerpo.

Qué más decir, son todas buenas de esta artista, escúchela, y no una ni dos, sino todas... y luego hablamos.

Domingos de casa abierta

Este fin de semana, en domingo, la casa de la cultura ecuatoriana presenta los domingos de casa abierta; dicho evento se realiza cada domingo en el centro de convenciones bicentenario y la entrada no tiene ningún costo. El evento comienza a las 10h00 este 18 de septiembre.

La motivación a la cultura artística, y el fomento de la capacidad de educación musical y en arte en la ciudad depende mucho de que asistamos a estos eventos, en esta semana van a estar en escena: Jesús Fichamba, Ramiro Acosta y los Blues Project Rolling, Tamya Morán, el ballet ecuatoriano Luis Beltrán, la agrupación andina Amigos Millonarios, el dúo musical Hermanos Cevallos Erazo (a quienes recomiendo sobremanera), y Músicos Anónimos (a quienes recomiendo aún más).

Los invito a que visiten este evento, me cuenten un poco lo que escucharon y disfruten de lo mejor de los artistas que se dan citas en los escenarios de nuestro país. Como siempre recomendarles que visiten siempre que puedan estos eventos porque los realizan cada domingo.

Les dejo también el link de la agenda cultural que tiene la casa de la cultura en estas fechas. Vayan a lo que puedan, consuman arte.

Agenda Cultural, casa de la cultura

Domingo 18 de septiembre

La nostalgia sonriente del pasado musical

Entre risas, en una conversación con un tinte de confianza que parece que existiera de toda la vida, conversamos con Esteban Cruz; productor musical que escogió como su rama a trabajar, el rap.

Lo ameno de la conversación, dio para que la creatividad de Esteban aportara a tal punto, que se escogió su sugerencia para el nombre de la propuesta de programa de radio que está próxima a salir (¡atentos!), porque a cada momento la atención se desviaba hacia las palomas citadinas o algún otro factor imposible de controlar. Generó que esa frase ‘regresando al punto’ fuera la referencia de sentir de nuevo lo importante, que es el arte, y que lo denotó en cada parte de esta conversación.

Casi no hubo entrevista, fue todo muy jovial y humano. Esteban cuenta cómo era en el tiempo en que para poder ser artista musical, se debía grabar en cinta de cassette, y que debía esperar a que el locutor de una radio se callara para poder grabar la canción que gustaba, y luego correr a aplastar el botón donde grabara en un cassette vacío, esa canción. Cuenta que así hacían antes las pistas los artistas, y que incluso así antes se presentaban. Que escuchar eso hoy, da nostalgia y risa, porque atrás se oyen los ecos “y corrías a grabar en el baño, donde había más silencio, con el micrófono de karaoke, además no sabías a qué hora iban a pasar lo que querías escuchar, entonces era todo un día de ponerte pilas para no perderte lo que querías”.

Luego vinieron los discmans, y luego youtube, y otras herramientas. Para ser hoy productor musical, Esteban tuvo que aprender a usar todas esas herramientas sin alguien que le enseñe, y sin manuales, y considera que eso es lo lindo de un artista que, como él, se considera independiente, porque tiene que hacer “todo uno mismo” y al tanteo aprender a utilizar todas las plataformas, incluso una consola de radio. Por eso había risas en esa conversación, porque para hacer mi programa, entre los diferentes talleres y cursos, también se aprendió a manejar una consola de radio, y pasó lo mismo, al inicio los errores, las equivocaciones, que se manda antes la pista, que se prenden los micrófonos tarde, etc. Aprender así, es muy humano, muy real.

Aunque Esteban es joven aún, su condición socioeconómica es la que le obligó a trabajar así, pero sabe que tiene más cosas que contar, que los artistas nuevos que nunca tuvieron que pasar por esas dificultades. Para él, todos los seres humanos nacen siendo artistas, pero es en la escuela donde poco a poco van restringiendo esa condición hasta matar la creatividad.

No cree en las ayudas políticas, sino en la búsqueda del propio gestor de las oportunidades, “hay que tocar mil puertas, y de esas mil, se abrirá una y para eso gastaste plata, tiempo; pero después la gratificación es mucho más grande y eso compensa”. Dice que vivir como artista independiente es posible, pero es duro, “porque así como hay momentos en los que te pagan por un show de 30 minutos más de un sueldo básico, cosa que es muy buena, hay meses enteros en que no cobras nada y vivir esperando es duro, porque así como ganas gastas”.

Sin embargo asegura, que para un artista independiente, el pago no se trata de dinero, porque un artista puede vivir “hasta limpiando baños”, sino de lo que llena el corazón, que hace aguantar toda clase de tempestad en este oficio. Cuando se refiere a lo que la gente opina de los artistas por su vestimenta (Esteban en particular, utiliza gorra y camisetas anchas) dice que para que la gente ya no juzgue han estado luchando y lo seguirán haciendo, sabe que es duro, y cuenta con gracia cómo a veces en el bus, cuando la gente ve cómo va vestido, prefieren no sentarse a su lado, incluso algunos prefieren ir parados aunque el bus vaya lleno.

La diferencia que tienen los artistas independientes de los artistas pro industria, para Esteban está en el dinero, porque menciona que un artista pro industria puede pagar por publicidad, y darse el lujo de rechazar contratos o espacios porque no les pagan lo que ellos quieren, mientras que para un artista independiente, lo importante es darse a conocer, y le choca que hayan en la actualidad, personas que se dedican a lo mismo que él, pero porque son amigos del productor o gestor importante hacen de esto su profesión sin tener ni ganas, ni talento.

“Como artista independiente, te lanzas al mar a veces, sin saber nadar; y si llegas a 4 personas de 4000 es bueno, es gratificante” También dice que no dejaría de ser artista independiente porque el artista independiente hace “lo que se le da la gana” y no tiene que regirse ni a contratos, ni a horarios de ensayos. Además cierra diciendo que el artista de ahora, en cualquier área, debe disfrutar su momento, porque la sociedad le da un boom a los artistas, pero luego llega otro mejor, y se olvida para siempre del anterior, “como le pasó a Fausto Miño”.

La prueba viva, de que puede existir una entrevista con la que no se esté de acuerdo en todo, que no tiene que ser tensa, ni seria al punto de convertirse en aburrida. Déjenme saber lo que piensan, siempre es bueno leerlos.

Prejuicios musicales

¿Cuántas veces hemos torcido los ojos, nos hemos tapado los oídos o hasta nos hemos ido de algún sitio cuando se pone música que no nos gusta aún sin haberla escuchado? Tranquilos, nos pasa a todos, yo personalmente no tengo mucho aprecio por la bachata, siento que me duele la cabeza; sin embargo me gusta Violeta de Maykel, tal vez a fuerza de oírla tanto.

Aprendí con el paso de los años a eliminar mis prejuicios musicales, a analizar, a preguntarme, a oír y luego emitir algún juicio. Mi hermana es rockera metalera, y mis padres y yo corremos de ella cuando quiere manejar porque sabemos que tenemos que ir escuchando 'esa música del dolor de cabeza'. Pasa lo mismo si algún conocido o contacto nos 'obliga' a acompañarlo con su reguetón, rap, vallenato, chica, rockola o lo que sea que no sea del total agrado nuestro.

Una de las etiquetas a las que más huye la generalidad de la gente, es a la música cristiana. Yo hablé con un buen amigo que entre otros, realiza música cristiana; aunque hablamos de todo un poco me quedé pensando en cuántas veces me he detenido yo, a oír su trabajo, y recuerdo que la primera vez que oí rock cristiano no me disgustó, es más, hasta salté y baile como en cualquier concierto. Les comparto la entrevista a Jhonny Cortéz, miembro de Doy de Jesús, una comunidad que se dedica a compartir su fe con la juventud y que realiza labores humanitarias por medio de la palabra de Dios.

Este artista de la música cristiana, comienza por mencionar que cuando la gente escucha la palabra cristiano, ya le pone una tara al contenido de su trabajo, sin darle la oportunidad de escuchar y estableciendo una barrera de forma inmediata. Sabe también que no solo pasa con ellos, sino que sucede cuando un rapero sube al bus y la gente se hace la dormida “en vez de ignorar, deberíamos escuchar cuál es su propuesta”.

Cree que el hecho de que los gobiernos no inviertan en el arte, se debe a que no conocen los beneficios que podría generar a nivel educativo, económico, turístico y cultural; y menciona que desde la política se habla siempre de salud, de educación, de movilidad, pero no se menciona a los artistas, y de eso, mucho menos se menciona a todos, como los raperos, o los músicos cristianos como él. Cree que el Estado haría un favor a la sociedad si invirtiera en arte, porque crearía un semillero de artistas; “la gente a veces no tiene en qué invertir el tiempo, y crear talleres o espacios donde puedan hacer arte esas personas, sería una oportunidad para gente que a veces no tiene recursos para pagar escuelas”.

Para Jhonnny, el trabajo del artista es sacrificado y costoso, dice que es fácil frustrarse en este mundo, pues al ver la falta de apoyo, o el poco progreso al artista que no tiene padrinos esto genera melancolía, y cree que por eso se ha tomado a la música como hobby, porque solo se sostiene quien puede vivir a costa de su propio dinero. “Si viene un artista extranjero, es el auge para él, pero a los artistas nacionales, aún con la nueva ley, no nos dan tanta apertura.”

Finalmente sostiene que las críticas en la sociedad a los artistas, se generan porque a esas personas “les falta un poco de amor” y que si como sociedad, el mundo se centrara en acoger y no en criticar, “podrían ser hasta un poco más felices”.

Yo tengo que reconocer que hablar con Jhonny, de alguna manera es como hablar con un predicador, sientes un ambiente que te envuelve, como una atmósfera que te rodea, fue algo muy lindo porque abrí mi mente, Jhonny es mi amigo hace muchos años y nunca ha intentado cambiarme u obligarme a creer en su fe, ni a juzgado mis creencias; por eso decidí que era importante escucharlo y aprender de él. Coincido en que muchos artistas no tenemos el dinero suficiente para pagar una educación permanente o nuevos talleres para adquirir conocimientos nuevos.

Se invierte en el arte cuando hay auge económico en el país, hay tanto que 'hasta para la cultura artística' alcanza, pero cuando el país está mal, entonces no se puede 'desperdiciar' la plata. Mañana, hablaré de una clown que me hizo entender cómo puede ser posible que el gobierno elija al arte frente a las primeras necesidades de una sociedad. Si quieren conocerla a la Sofy, mañana estén pendientes de esa entrada.

Los Munn: La magia de una voz 'normal'

Los cuidados de la voz suelen ser excesivos. Este año por segunda vez me quedé sin voz y me temía que se deba a la edad, ridículo pensaba yo misma, pero en realidad mi agilidad, mi velocidad, mi resistencia y demás han disminuido. Por otro lado mi madre me preguntaba el otro día, qué hacen artistas que a pesar de su edad se siguen sosteniendo con voces tan potentes.

Estoy leyendo una serie de artículos, libros y demás que hacen referencia al cuidado vocal, cuando hable de los libros ojeados del mes compartiré su mayoría, por ahora vale mencionar a razón de mi afonía actual que la voz como parte del cuerpo necesita un trabajo meticuloso y mucho cuidado corporal, mucho respeto; que no lácteos, que más agua de tomillo, que menos ácido y entre tanto parece que una se queda sin felicidad (sobretodo porque se supone que no debo comer tantos dulces).

Así mismo, la personalidad de la voz, que se dice que se alcanza a partir de la edad mediana, entre los 25 y 35 años, quién sabe si será cierto, hace mucha influencia sobre lo que sucede con las cuerdas vocales y todo el aparato fonador; yo me dediqué a investigar y me encontré con una particular voz, en un particular grupo musical llamado Munn, que decían sus fans que es el despunte más alto de la música ecuatoriana del aquí y del ahora.

Les comparto su página de youtube y no me atrevo a compartir ninguno de sus videos pero es loco cómo consiguen poner en pausa a quien le ponga play a sus trabajos. Como si cualquiera que sea la actividad que una hace, se detuviera a cámara lenta por más vehemente que sea el entorno, por más rápido que corran los minutos, por los Munn las horas no pasan. No sé; es algo muy narcótico que no puedo explicar.

Munn en Youtube

Conocí a la vocalista el domingo, bueno, la reconocí porque tampoco es que me senté a conversar por la violencia que rodeaba mis horas en ese momento, pero ratifiqué que por ella y por su música, que no hace sola sino que es una creación colectiva, cada instante se detiene como a tomar té de forma perpetua.

¿Qué tiene que ver con lo que decía al inicio de la voz? pues que esta agrupación tiene identidad en la voz, tienen clara la voz no como algo exponencial, sino como otro elemento de su trabajo musical, Munn es de esos grupos que quizá no necesiten que su vocalista cuide la voz, porque ella le coquetea, la apacigua, la acaricia, no la forza ni la somete, simplemente la deja ser y es de ahí de donde sacan ese efecto tan adictivo. Ella no es la única que canta, todos ellos conjugan cada elemento para que ninguno dependa del otro, sino que sean como pétalos, uno solo no lograría la flor, pero sin uno no serían la flor que son.

Felicitar a los Munn por la propuesta, que parece en inicio no ser del otro mundo, uno voz normal sin mayor tinte o color, como nada fuera de lo usual, pero poco a poco una se sumerge y ya de esa arena movediza no se puede salir, supongo entonces que esa voz normal, es mucho más anormal que las anormales que no nos trasladan a ninguna parte. Recomendadísimos.

NO tener televisión

No me centraré en atacar a la televisión ecuatoriana, a la que buena falta le hace una crítica profunda; simplemente mencionaré que en casa nos quedamos sin televisión hace unos tres meses y eso ha servido para ahondar en la creatividad y buscar otras maneras de pasar el tiempo, de enterarnos de las noticias, de distraernos.

La primera semana se te va en leer algo más, en arreglar la casa, limpiar el clóset, escuchar buena música, la segunda semana abres otro libro, siembras otra plantita en el jardín, limpias las ventanas, lavas las cortinas, o algo de ropa a mano (sí, yo aún lo hago, pero un par de prendas nada más). Si tienes algo de dinero y de tiempo viajas un poco... en fin. A partir de la semana tres en adelante, yo que no soy muy pegada a la televisión, ya estaba como diablo en botella sin poder ver Wimbledon, o un buen documental o un par de programas de televisoras internacionales. Imaginen entonces cómo estaba el resto de habitantes de la casa.

A mí me sirvió entre otros, para hacer un blog y sostenerlo, para leer un poco más y estar más pendiente de mis amistades, mis aficiones, de mis actividades varias y resumiendo, anoche la televisión volvió, y volvió el ruido y la programación basura hasta que nos vuelvan a activar el cable y poder rescatar algo pescando por otros canales. Como recomendación, es lindo ver qué pasaría si se deja por un mes la televisión, se los recomiendo como ejercicio.

En este tiempo encontré varias cosas buenas y hoy les comparto una de ellas. Mi maestra de educación vocal me había prestado hace tiempo un boletín musical, el número 15 para ser exacta, y me adentré en investigar un poco más y me volví una viciosa de Casa de las Américas, y de su trabajo en pro de la música, de esa que mira para adentro, que me enseñó que históricamente todo se escribe desde Europa y ya nuestra América morena nunca pudo desembarazarse de esa inclinación pero que nosotros tenemos mucha mayor riqueza en nuestra música si nos detenemos a escucharla.

Boletín musical - Casa de las Américas

Entran ustedes a ese link, bajan hasta el tope, y ahí están las 41 ediciones, no piensen que están desactualizadas, ni que no han tenido continuidad, al leer cada una de ellas se van a dar cuenta que la vigencia de sus temas es más contemporánea que cualquiera de nosotros. Cualquier amante de la música, de la enseñanza musical, de la formación de públicos en pro de la música, y de la música por el simple hecho de calor del alma, apreciará esta lista de artículos que la dejan a una, boquiabierta y preguntándose por qué nadie ha cambiado la formación de música.

En otras entradas hablé de Playing for change, del Womad de Chile, del Ollin Kan en México, y esta vez Cuba tiene este puntazo. Así mismo, les comparto si no es de su interés leer los boletines musicales, el informativo de la Casa de las Américas, este sí al día, y que aunque sea lejano, les hará indagar en artistas, géneros, corrientes, melodías, voces, ritmos que nunca habían escuchado y que les puede aportar un poco más a sus oídos.

Invitados siempre todos, a dejar la tele, y a oír mucha más música.

La Ventana - Portal informativo Casa de las Américas

Pasillo de luna

Lo mágico del pasillo, aparte de poner a cualquier ecuatoriano a cantar con o sin copas encima, y de hacernos sentir la esencia del ecuatorianismo, es que es una música con melodía calma, transparente, sin demasiados arreglos y sencilla de tocar... a diferencia de la interpretación que no a cualquiera le sale del todo bien. Yo me encontré (como casi todo lo que publico) hace algún tiempo con esta mujer de la que comparto el canal de youtube, la pueden también seguir en twitter y facebook.

Youtube - Alexandra Cabanilla

Ni siquiera me tomaré la molestia de opinar sobre la forma de cantar de esta artista, porque confío en que oyéndola, cualquiera pensaría lo mismo que yo. Es, como diría una de las maestras de danza con quienes trabajé, mucho con demasiado. Y rescato también su juventud y la apuesta por un género tan 'viejo' y difícil como el pasillo.

Su pianista, Christian Valencia, hablaba de la condición de canción de cuna del pasillo, y crearon uno nuevo llamado pasillo de luna que también les hago escuchar al final. Este tema inédito del pentagrama nacional fue seleccionado por las características del género, en un documental mexicano llamado ABC nunca más, que relata las historia de los niños en México que perdieron la vida en un incendio en su centro de estudios y de la injusticia que rodea el esclarecimiento de los hechos.

Alexandra Cabanilla, compositora también, es la única cantante ecuatoriana que pertenece al elenco musical del Circo del Sol. Su talento seguramente que le augura mucho más trabajo con el talante de su voz por delante. No podía quedarme sin compartirla... Disfruten de 'Pasillo de luna' y de la música ecuatoriana, que como siempre he pensado, es lo único que podemos presumir que en serio es nuestro.

Los chicos del piano

Hace unos días atrás, cuando hablaba de Lindsey Stirling, de Aquitania y de 2Cellos en entradas anteriores, ya recalcaba este espacio que tiene el arte clásico en las nuevas formas de hacer música, como cuando los actuales 'book lovers' no dejan morir el libro con su manera de incentivar la lectura mediante compartir y hacer ver como algo interesante tener el libro en físico, que logra un acercamiento mínimo a ellos, pero lo hace.

Entre esas formas de reinventar lo ya hecho que iba perdiendo vigencia o que iba quedando en segundo plano por la tecnología, la música demuestra una vez más que puede seguir siendo parte fundamentel, intrínseca, inmediata del alma. La música que nos hace ser todo y poderlo todo a través de esa forma de arte que a pesar de tanto aprendido y en aprendizaje sigo sin entender, cómo logra llegar a cada rellano de nuestro ser, de nuestros sentidos.

Bueno.... en esas de mis búsquedas por músicas del mundo y demás, me encuentro (justo cuando había tecleado violín) con un dúo talentoso entre cello y piano llamado 'The Piano Guys', aunque es un compuesto musical que no es 100% piano, es tal vez ese elemento el que resalta. Me gustó mucho escucharlos porque sus videos incluyen, en cada tema, locaciones naturales preciosas y se fusionan con el paisaje como si pertenecieran, y luego al escuchar su música, es como si una entendiera que es desde ahí de donde sale ese componente que llega a la fibra interna más profunda del ser; de la naturaleza.

Cada paisaje, y cada canción se hacen una misma obra de arte, es un deleite porque no se sabe a qué mismo poner atención y eso es bueno, porque despierta los sentidos y hace que no se conciba la pieza artística en unidades sino concatenadamente, todo pertenece a todo. Es simplemente magnífico.

Yo acá les dejo, uno de los videos que me gustó pero todos son buenísimos, siempre dejo uno para que ustedes los busquen y vean cuál les gusta más. A mí me gusta este instrumental de Titanium, entre otras cosas, porque es en original, una canción de música electrónica y al escucharla acá con elementos más de academia como son el piano y el cello, le dan una revitalización a la música que da gusto, y que invita a las nuevas generaciones a conocer la música formativa, la de escuela, la clásica, no como algo que ha perdido vigencia, sino a lo que cada uno puede dar su propio estilo y mantener con vida.

Sin perder este toque de música de arrullo, música de cuna o música de fondo para alguna actividad mental que requiera paz y reposo sin dejar de sorprenderse por lo exquisito, llega esta propuesta con cuatro discos a su haber. Su popularidad, que la ganaron a través de la red, es una invitación a festejar la vida con música. Como siempre, invitarlos a que escuchen la música del mundo y lo que en sus propuestas nos traen, tienen una cantidad enorme de instrumentales así que no dejen de visitarlos.

ThePianoGuys

Y les dejo con la pica para que busquen, porque estos chicos tienen un 'dueto' con Lindsey Stirling con el tema de misión imposible.... imperdible.

Currumbao, desde el corazón del agua dulce.

Para la entrada del día he querido dejar a una apuesta musical movida, bailable, con vida. Currumbao es una agrupación compuesta en su mayoría por quiteños, que fusiona su nombre al igual que los géneros musicales con que trabaja, de la formación de cuero, rumba y tumbao, Currumbao. Es interesante porque rompe con el esquema de que en Quito no se hace música bailable o solo la tradicional.

Currumbao, que lanzó hace poco su disco homónimo en el teatro Variedades es una picazón de sabor, de invitación a bailar y de contagiarse con estos ritmos descendientes de la marimba, del son, de aquellas melodías africanas que al hacer contacto con la tierra, queriendo o sin querer nos hacen mover los pies.

YouTube oficial Currumbao

Les comparto como siempre, la canción que me hizo a mí conocerlos musicalmente, pues en persona con un par de ellos ya me conocía desde el mundo del arte también. Grandes músicos con una historia por escribir todavía, que ha comenzado y viajado inyectando su sabor hasta en España, y sin duda que estos talentosos músicos por lo menos le hacen menear los hombros, así que la recomendación como siempre, es que los busque, los escuche y los apoye.

La apuesta por Culturizando

Hace unos días publiqué una entrada que hacía referencia a una página excelente encontrada en Internet que es Cultura Colectiva (Cultura Colectiva, lo mejor de Internet) este día le corresponde el turno a una página que ya venía chequeando desde hace un tiempo, y que por fin me he convencido de recomendar, es Culturizando (http://culturizando.com/) que seguramente todos alguna vez habremos visto, leído uno de sus artículos o escuchado.

Pero este espacio dedicado al aprendizaje desinteresado es mucho más que un único artículo a compartir. Tiene la particularidad de ser una plataforma de textos en su mayoría cortos, como para que una se quede 'picada' y busque más información, además para no quedarse con las ganas de saber aunque sea a la rápida de lo que hablan. Se divide en tres secciones específicas, la primera es una barra superior que enlaza culturizando con páginas web hermanadas que crean sus propios contenidos acorde a su línea editorial, pero que se tejen entre el contenido de culturizando por ser información también relevante.

Simples comillas, es un espacio destinado a las letras, sus atores y todo lo que la rodea siempre desde la literatura. Cápsula Cinéfila contiene datos referentes a los mejores, peores, conocidos, desconocidos, taquilleros, raros, premiados films en el mundo del séptimo arte, la mejor opción para un domingo en la tarde. Hoy Verde es para esa creciente tendencia mundial de la gente 'fitness', de aquellos que cuidan su forma de vida y de su forma de comer, del cuidado mundial y animal, todo lo relacionado con vivir en armonía con la naturaleza y el cuerpo humano. Y la tienda culturizando que incluye tan solo unos cuantos artículos, que supongo que alguien comprará alguna vez.

El segundo apartado de culturizando, incluye las categorías: Noticias, curiosidades, vida, cine (que es como un copy paste de cápsula cinéfila), cultura pop, sexualidad, historia, ciencia y tecnología y por supuesto cultura, que da el nombre a la página. Algún prodigio podría leerlo todo en un solo día y de una sola vez; yo que soy una chica promedio me demoré una semana en leer todo, yendo de enlace a enlace, de información en información, de dato interesante en otro aún más interesante. Entrar en culturizando es ingresar en el terreno del conocimiento sin discriminación, tanto el que sabe como el que no, aprende algo nuevo por ahí.

El tercer apartado en el que, considero humildemente, se encuentra categorizada la página culturizando, incluye los temas: Mitos y leyendas (acá una se queda horas, entre que lee y entre que complementa lo leído con otras lecturas que enriquezcan), que recoge historias de todo el globo y muy famosas que han dado la vuelta al globo. Extrañas enfermedades, que veo como un servicio social porque hay muchas familias que viven en el suplicio de no conocer el nombre siquiera de su padecimiento, y con esta información, aunque básica, pueden ya tener un piso donde cimentar la ayuda. Grandes misterios, que si es que usted es tan curioso o curiosa como yo, va a estar ahí por otras horas. Y finalmente Horrores humanos, que yo en lo personal, como soy asquienta y hago caras de puchero, prefiero leer así rapidito sin detenerme mucho.

Una excelente opción para empaparnos de cultura general, literalmente hablando, y de conocer y conocer. Hay cosas lindas y buenas en Internet, y Culturizando es una de ellas.

El lugar del movimiento

Febrero fue el mes del Ecuador Jazz, hoy por hoy se realiza en Casa Mitómana otro festival de Jazz siempre en Quito. Estuvieron acá para compartir sus experiencias, los organizadores del Womad en Chile y del Festival Ollin Kan (entre otros expositores) hablando de estos respectivos espacios destinados a la música en América Latina. Lo especial de estas plataformas distintas entre sí, es que reivindican espacios de sus lugares de origen y entregan un nuevo contexto al contexto mismo de la música que exhiben.

El Ollin Kan es un festival que José Luis Cruz, fundador, califica como marginal, un festival que no tiene apoyo del gobierno (típico por estas latitudes del mundo a la cultura artística) pero que subsiste por el contenido, por la exposición de música que como desadaptada del sistema, no se encuentra en espacios convencionales y de no ser por este espacio, no tendrían lugar para hacerse terreno en la música, lo bautizaron como Ollin Kan por la palabra originaria del náhuatl que significa el origen del movimiento, el lugar donde nace el movimiento, y eso es lo que transmiten con la música llevando a agrupaciones de todo el mundo que van recolectando durante todo el año, y buscando por todo el mundo.

Yo les pregunté a José Luis y a Giorgio Varas (director general del Womad Chile) cuál era el criterio de evaluación y cómo elegían a los artistas, su respuesta fue que quienes hacen la selección (que sea un solo individuo es imposible) son personas muy experimentadas en la música y con el oído, además cada año se hace una especie de temática a la que se ajustan pero si son buenos y no encajan en ese año en el festival, ellos lo redirigen a otros festivales más acordes a lo que escuchan quienes seleccionan.

Es que estos festivales son de métrica y de visión, por ejemplo el Festival Mundo de Música, Arte y Danza (Womad) que es una extensión de la franquicia iniciada por Peter Gabriel en Inglaterra pero en Chile, se gesta en un espacio de Santiago que estaba abandonado, era un basurero, junto al cementerio, frente a la morgue, junto al mercado y un hospital, es decir era un espacio no convencional, pero adicionalmente era peligroso, lo que se hizo en ese caso es crear una nueva vida para el sitio y una recuperación de la función de los vecinos del sector.

Incluso con el tiempo, el Womad ha hecho con vecinos del sector, que hagan recorridos guiados por este cementerio mientras el festival se desarrolla (son varios días); actores y habitantes de la zona se apropian de su espacio público y saben que cada año tienen un espacio que les pertenece. En el caso del Ollin Kan, es un festival por el que no se le cobra al público ni un centavo, en el Womad sí se cobra. Son dos festivales distintos. Ellos apuestan de la mirada de la música como un encuentro, por ejemplo José Luis, cree firmemente en que la música de África y América Latina se parece muchísimo, y le gusta que muchos artistas se den cuenta de esta similitud encima del escenario.

Estos festivales necesitan apoyo, necesitan miradas y necesitan ante todo, ser replicados. El Ollin Kan, se dio cuenta alguna vez, que no debía ser un festival estático, sino ir buscando público cada vez más 'underground', y se moviliza en sectores limítrofes, alejados o marginales. Daban la idea al Ecuador Jazz de que no se realice en un lugar tan céntrico, sino que se muevan a Zambiza, a Llano Grande, a Atucucho, a lugares donde la gente pueda encontrar nuevos talentos y reconozca su música, no mire para lo extranjero sino que conociendo lo que tiene y lo que vale, lo defienda.

Para el Womad, a pesar de ser una franquicia de otro continente, el mirarse para dentro de Chile y reconocer los sonidos y movimientos de otros 'mundos' ha enriquecido el entorno musical chileno. Además ellos incluyen otras artes como la danza y el teatro, con gente que va rotando entre un día escuchar las propuestas del festival en música, al otro ver las muestras de danza, y al siguiente si se cansa, hacer un recorrido por las sedes, por los espacios o por las puestas en escena en teatro.

Que lindo que Ecuador copiara este tipo de propuestas, que las duplicara, que las alimentara. Sin embargo el mismo Ecuador Jazz contó en esas conferencias con poca gente, con poca difusión (habrá quien discrepe) y eso es una punzada al corazón porque hay mucho por aprender, nuestro mundo musical no se reduce, sino que se masifica y expande a pasos agigantados y acá, no nos damos ni cuenta.

Una tierra fértil llamada Aquitania

Cuenta la leyenda, que apareció sobre la tierra por allá por el siglo X, un vasto territorio donde la gente vivía muy feliz y compartían sus momentos llenos de música, cuentos, poesías y arte. A esta isla se le llamó Aquitania. Como este extenso espacio estaba lleno de personas que se encargaban de divertir y hacer felices a los habitantes de Aquitania, se cree que fue de ahí de donde se originaron los primeros trovadores y juglares.

Mucho tiempo después, desde la tierra de la mitad del mundo, un dúo musical adopta este nombre para recoger este concepto inicial de lo que era Aquitania, y se dedican mediante el violín y la guitarra a condensar toda la alegría de la música ecuatoriana. Una de sus integrantes es de origen europeo, de la antigua Unión Soviética, y al encontrarse en la calle con música tradicional de Ecuador, quedó enamorada y se contactó con el que hoy es su esposo, para rendirle tributo a las canciones que no son suyas, pero que siente como si le pertenecieran de siempre.

El dúo Aquitania es capaz de prender la fiesta, de hacer levantar de su silla a cualquiera, o de invitar a derramar una lágrima con esa música tan ecuatoriana como es el pasillo. La idea de Aquitania, es llevar desde el violín, un encuentro a los ecuatorianos con la música que suena a las tres de la mañana en una fiesta, o también en un buen viernes en que lo único que deseamos es llorar con un traguito.

Lo loable en realidad, es la pasión que Marianna Adikaschwili pone por la música, es una invitación a apropiarnos de algo que aunque nuestro, parece ajeno y que a veces ni sabíamos que existía y que ella daría todo por poseer. Invitarlos como siempre, a escuchar lo mejor de este dúo al que como todo lo que comparto, encontré por casualidad. Acá les comparto lo mejor de este dúo inverosímil.

Música del mundo, por el cambio.

De esas tantas publicaciones que aparecen en redes sociales, hay unas que son rescatables porque nos adentran en mundos desconocidos, en alternativas nuevas de escuchar, ver o descubrir espacios o momentos que no habríamos encontrado de no ser por esas otras personas. Siempre el conocimiento que tiene el mundo junto es mejor que el que tenemos en una sola cabeza.

Yo aprendo mucho de las publicaciones de mis amistades, y de gente a la que sigo y que muestra cosas muy lindas, o de aquellos seres que dedicados justo al mundo de la cultura artística, me acercan a propuestas nuevas. Esta vez quiero compartir la belleza que encontré en Playing for change. PlayingForChange. (Ojo, algunas etiquetas de Playing for change, no están en este listado)

Esta plataforma comparte música del mundo ya compuesta y publicada, sin embargo tiene la particularidad de ser 'cover' del tema original hecho con músicos de diversos instrumentos, tocando en varios lugares del mundo y siendo estos mismos músicos de todos lados, o del país al que está representando la canción en diferentes lados del globo, de hecho yo llegué a ellos escuchando una versión de La tierra del olvido de Carlos Vives, pero interpretada por varios músicos colombianos con instrumentos colombianos y de todos los rincones de Colombia.

Este rehacer la música, este recrear, enriquece el sentido cultural de la música pues cada artista le asigna su voz, su estilo, su ritmo, su propio tiempo y sus propias pausas. En otros casos, como el de Clandestino de Manu Chao, sirve para el encuentro de continentes distintos, acentos distintos, otras lenguas y sensaciones multiplicadas mediante la música.

Esta herramienta musical es noble, pues fue pensada también como una fundación que busca sacar a los niños en situaciones de riesgo, de alta vulnerabilidad y de peligro alrededor del mundo, mediante el aprendizaje de la música y de tocar algún instrumento, de entregarles una salida humana y sensible con lo que viven, la música hace que tengan un espacio para expeler lo que no se animan a decir, lo que no pueden o no se atreven. En muchos casos la música habla mejor de ellos y de sus vivencias, que ellos mismos.

Fundación Playing For Change

Yo, como siempre invitarlos a todos.... a disfrutar de la música, a gozar un poco más la vida o a llorar para limpiar el corazón con esa música que es de esas maravillas que solo los vivos disfrutamos. Y si quiere donar para esta fundación que se dedica al arte y al cambio de niños y jóvenes, no deje de hacerlo.

Entre las cuerdas de un violín

Anoche estuve comentando un poco de dos violonchelistas que recobran el sentido de la formación clásica musical con covers contemporáneos que buscan desencasillar esta creencia de que la música de academia es elitista o aburrida. Hoy quiero dedicarle un espacio a otra música que hace su intento desde su instrumento, el violín.

Lindsey Stirling es una artista estadounidense que crea una experiencia completa por medio de su trabajo con el violín, su formación disciplinada le da la libertad de hacer de todo mientras toca, baila, salta, se mueve por todo el escenario y le entrega vida a sus creaciones de manera sostenida, cada detalle es pensado con meticulosidad y cada puesta en escena es mejor que la anterior. Es bien difícil escoger cuál compartir ahora porque todas son buenas.

Yo me la encontré un día buscando meditar un poco con música que no haya escuchado y de bajo impacto catártico, así es que puse en el buscador la palabra violín, como suelo poner arpa, o piano, o clarinete o saxofón y doy con esta chica. Supongo que parte de ser también un miembro del mundo del arte me hace estar más expuesta o propensa a estos encuentros que me abren un poco el oído a armonías, ritmos y melodías de toda índole. Las aprecio todas y las compartiré todas mientras vayan pasando los días.

Por ahora, adelantando que me tocó escoger con moneda al viento cuál compartir, les dejo este video y el canal de youtube de esta violinista. Algún momento que ya se cansen de escuchar lo mismo de siempre, busquen un instante para oír algo que nunca han oído, se pueden encontrar con cosas que no sabían que podían gustarles... y eso es el arte, el universo de llegar a un terreno inseguro, y encontrar que nos satisface.

Lindsey Stirling - Violín

Música desde la academia

La sugerencia del día casi no la alcanzo a hacer por esto de las festividades, pero no quería dejar pasar la oportunidad para comentar acerca de 2 Cellos. Dos músicos talentosos que fueron educados en Cello (léase Chelo) clásico durante toda su infancia y adolescencia, eran competidores entre sí, siempre disputando el primer y segundo lugar alternando los puestos entre uno y otro, un día deciden convertirse en compañeros en lugar de rivales.

Esta prueba de que la comunicación y el arte son mejores que la rivalidad y enemistad, generaron que estos talentosos violonchelistas creen una forma de revivir el arte de cámara y la formación académica haciendo covers de temas reconocidos a nivel mundial en los géneros rock y pop como los que más ahondan. Su trabajo es formidable y sus videos son muy bien dirigidos, con una estética musicalizada pensada en el envolvimiento atmosférico de cualquiera que se deje atrapar al alcance de un click.

Es importante este tipo de trabajos, porque rescata el poder que tiene la formación musical, sabiendo todas las reglas es que se las puede romper, además esta tendencia de hacer ver lo que para una buena parte suele ser 'aburrido' como algo que tiene mucho por ofrecer, le entrega a la música el espacio de reinventarse cada vez, ya tocar el cello no tiene que convertirse en escuchar música clásica, o encasillarse en cierto tipo melódico sino que amplia los horizontes musicales e invita a conocer desde una formación disciplinada, una música entretenida y llena de vida. Un aplauso a la reinvención.

Les dejo uno de los que más me parece interesante a mí, por la fuerza y por la lúdica del video (Smooth Criminal es lejos el mejor video). Muy artístico, pero son todos sus videos de indescriptible poder. Mañana, una entrada de violín, pero hoy a disfrutar del Cello.

2CELLOS canal de Youtube

El sol más grande de la música

La música es ese espacio y tiempo que detiene, acelera o sostiene la vida de los seres humanos. Con ella nos reímos, lloramos, nos amargamos, recordamos cosas de un pasado feliz o nos adentramos en la nostalgia de cosas imposibles de cambiar. La música es eso que le da sentido a los estados de ánimo, cualquiera que estos sean.

En el planeta que habitamos cada vez parece haber más personas que se dedican a la música, a todos los géneros y subgéneros que existen y que parecen multiplicarse cada día, aún habiendo tantos, o tal vez justamente por eso, son pocos los que entran en la categoría de artistas, de esos que no se olvidan que esa palabrita existe porque se deriva de otra aun más grande, el arte. Uno de esos grupos que son gotas de rocío es Inti Illimani.

Esta agrupación chilena (decirles banda sería bárbaramente insultante), nació hace casi cinco décadas y no me quiero detener en la historia porque parece que los Intis en vez de llevarla a cuestas, van caminando de la mano con ella. La sacan a pasear y la hacen crecer como han crecido ellos y cambiado con su música, cambiado en el buen sentido, sin olvidarse de lo que han construido, de los problemas, de las cosas buenas, de lo que los motivó a hacer música, de lo que les dolía. Todo va con ellos.

Soy una fan (también creo que es una palabra inadecuada, pero a falta de otra) de estos músicos completos, tocan los instrumentos que usan de una forma muy artesanal, nunca les he escuchado fallar, tal vez lo hagan alguna vez, pero yo siempre los he escuchado estar ahí, metidos en su trabajo y hacerlo de forma limpia en todo el sentido de la palabra, con letras que se vuelven poesía; luego cantan y la voz, como una liebre a veces salta, a veces aflora, a veces se detiene a pausar. Los admiro por esa forma de hacer música como alimento del espíritu, como siempre los he descrito, un bálsamo del alma.

Quiero que se tomen un ratito de sus vidas para escucharlos, tal vez como a mí, la experiencia les cambie el oído, las lágrimas, les cambie el gusto por una música que nació en pro de los derechos, de las historias y de la misma música. El Sol más grande del Illimani, la música de Inti Illimani.

Tan primitivos como el rock

Tenía para este día asignado otro tema, pero he decidido cambiarlo porque me encontré en el transporte público con un vendedor de CD's con música rock épica, clásica, del recuerdo, en fin... El rock tiene esta característica que no tiene ningún otro género musical en el mundo. La de hacer menear la cabeza a todos quienes escuchamos una batería y una guitarra eléctrica al compás guiado a veces por una voz que parece que arrastrara la tierra.

Hablé hace algún tiempo con Santiago Hidalgo, guitarrista de Minoen, una banda de rock quiteño que me explicaba un poco (de magistral manera debo agregar), de los orígenes de este ritmo y de las luchas que los rockeros han tenido que librar en contra de la discriminación y los ataques durante siglos. El rock en las listas históricas de discos más vendidos en el mundo, de conciertos con mayor cantidad de público y listas de récords siempre están en primer lugar.

Los rockeros, me explicaba Santiago, fueron perseguidos por muchos años por su cabello largo y sus tatuajes “Estos estereotipos vienen de la época del glam, que era un subgénero musical, en esa época la música fue desenfrenada y no había reglas, es la época del slogan sexo, drogas y alcohol, de ahí nace el cabello largo.” “Un tatuaje significaba un ritual de iniciación en las culturas ancestrales, por eso mientras más tatuajes tenías, eras más sabio”.

Dice que la rebeldía del rock and roll, es un asunto de la psicología de la música que no se analiza, solo se juzga. “La batería llega a la parte de la cintura para abajo en el cuerpo, la activa, al igual que el bajo; luego las guitarras influyen en el cuerpo de la mitad para arriba, por eso transmite fuerza el rock y te hace mover todo, porque fusionas estos instrumentos”. Tal vez esa sea la razón, por la que inspiraron miedo en otra época y fueron tan reprimidos los rockeros, porque lo fuerte asusta, pero su represión, sirvió para ganarse sus espacios, una pena que sea de forma violenta como deben ganarse los espacios en esta sociedad.

Yo, volviendo a mis encuentros con el rock, contaré que aunque mi hermana es rockera innata, yo nunca tuve buena relación con todos los subgéneros que comprende este ritmo. Pero debo aceptar que estos golpes musicales tienen un encanto infernal que no deja a nadie sin comentario. El rock nunca pasará desapercibido por ese sentir tan primitivo como el ruido melódico, esos sonidos tan terrenales que nos hacen regresar a los orígenes más humanos.

Yo dejo acá, una prueba más de cuánto encanta el rock, con esta serie de realities donde el rock es el amo, dueño y señor y por eso siempre funciona si es bien ejecutado. Es la recopilación de las mejores audiciones 'rockeras' de La voz internacional. Una mejor que otra.... NADIE puede negar que por lo menos en alguna, no movió la cabeza, aunque sea un poquito.

La frase 'Rock Star' nunca tuvo tanto sentido. (Como dato, The Voice the best of rock n'roll IV es el mejor The Voice, Best of Rock N'Roll) o vea también (Best Metal and Rock Auditions)