Danzas afrolatinas II

He terminado mi taller de danzas afrolatinas con la promesa de que iremos a nuevos módulos, pues es muy extenso. Cada una de las sesiones hemos hecho una invocación a un dios o diosa sobre las que trabajamos cada ritmo. Es así como Eguá, que abre los caminos, nos acompañó en la clase de Bunde, y luego Yamsá, diosa de los vientos, estuvo con nosotras en el Currulao o Bambuco Viejo.

Aprendí que Currulao, era un espacio donde se practicaba este género que es un antecesor, o podría llamarle también un hermano de la marimba, casi se podría decir que los currulaos eran como las discotecas del poblado donde se originó en currulao. Complejo ritmo que tuvo su centro motor en los brazos, dando un baile casi de retroceder con los pies; la Joha me decía "es como bailar una especie de salsa", y ese día Yamsá me mareó (porque le invocamos con giros), y no logré nada. Currulao es el nombre que se le da en Colombia al género, cuando pasó a Ecuador le rebautizaron como Bambuco Viejo.

La siguiente clase ya aprendí el currulao para atrás, me percaté de que efectivamente se parece a la salsa una vez que se coge el ritmo. Lo logré, y de pronto me enseñan que hay una versión que se baila para adelante. Fue entretenido saber que hay variaciones y que la gente lo ha adaptado según sus intereses y necesidades.

Luego está el Bunde y el Bunde de Chirimía, que es totalmente diferente. El Bunde me pareció lento y como es con bombo de ahí se origina su nombre, del sonido que proviene del golpe "Bun-de". Ambos ritmos se bailan con falda o pañuelo, y en realidad sin ellos es como que no tienen ni ton ni son los movimientos. El Bunde de Chirimía es bastante más veloz, y casi es una fiesta de libertad para Quibdó, hay videos en Youtube donde se percibe el jugueteo de grupo porque el baile es comunitario. Johana me explicaba que es más complejo bailar estos géneros porque van a contratiempo, y el oído está acostumbrado a ir con el tiempo.

Para los siguientes meses, estaremos aprendiendo nuevos géneros de las danzas afrolatinas, el trabajo de piernas ha sido brutal pero ha servido para sacar muchas cosas, así que recomiendo que se den un paseo por todos estos géneros.

*Para revisar la primera parte de esta entrada, visita Danzas Afrolatinas I

Danzas afrolatinas I

He iniciado un taller de danzas afrolatinas con Johanna Jara. El taller sigue abierto y será recurrente hasta el mes de marzo de 18h00 a 20h00; se hace clase en el Híbrido Colaboratorio Cultural, que es un espacio de coworking, cafetería, pizzería, que tiene en la planta alta salas donde construir arte y cultura.

Así mismo el Híbrido funciona con el "café pendiente" que es una iniciativa que nació en Europa donde la gente entra a una cafetería y paga voluntariamente dos cafés, uno para sí mismo y otro para una persona que pueda tener frío o que no tenga hogar y tenga deseo de un café pero no tenga cómo pagarlo. No he visto otra cafetería en Quito que haga eso.

En este espacio, dentro del taller de danzas afrolatinas, aparte de liberar mucho y hacer que mi cuerpo se exprese de formas más fuertes que la actividad física promedio, he aprendido varios puntos que me gustaría detallar para que mi propia memoria no los olvide, mi cuerpo ya lleva a cuestas estos aprendizajes:

1.- Bullerengue, fue el primer ritmo que vimos, lo chévere de este taller es que nos hace partir de un centro corporal común, o de un centro motor que guía el resto del movimiento. En el caso del bullerengue es el útero. Incluso nos contó Johanna que ese ritmo lo bailaban originalmente solo las mujeres cuando perdían un bebé, o cuando habían enterrado a un bebé, o cuando querían hacer un cántico a la fertilidad. Hace círculos como recogiendo desde el útero, limpia, o absorbe desde muy dentro y luego bota lo que ya no quiere tener.

Los ritmos africanos, tienen una consigna en casi todos sus géneros, y es que la gente habla mientras baila. Como era un constante "caminar" mientras se sacaba del útero el dolor y la pérdida, el resto de la sociedad que no era negra decía: ya viene este bullerengue, en referencia al ruido o la bulla que traían las mujeres al cantar mientras los hombres tocaban. Con el tiempo el ritmo evolucionó y ahora los hombres también lo bailan. Es un ritmo muy rituálico, y dialoga con la feminidad de los seres.

Practicarlo es muy liberador, el movimiento nace del útero y de la relación que la mujer tiene con su útero. Hay un festival, el Festival de Ovejas, en Colombia, donde el bullerengue está presente.

2.- Cumbia; Johanna dice que la cumbia habría sido el sueño de Bolívar, porque no hay país en América que no la baile a su manera, y tiene derivados y maneras distintas, pero existe en todo nuestro continente.

Lo primero que nos pide es que encontremos la diferencia con el bullerengue, porque son muy parecidos. La diferencia son las gaitas y las flautas, en el bullerengue no hay eso, y todo el peso recae en la percusión, Johanna nos da los nombres de los instrumentos, pero no me los grabo.

El centro motor de la cumbia no son las caderas como popularmente se cree, sino las rodillas. Realmente el origen de la cumbia nace en los socavones, que son una especie de cuevas donde trabajaban los negros buscando piedras preciosas, por eso los hombres bailan la cumbia un poco agachados, porque los negros esclavos eran altos. Por su parte, las mujeres que originalmente bailaban la cumbia no eran negras sino indígenas, y como los socavones eran muy oscuros llevaban velas en las manos, y entre los dedos, estaban los faldones que recogían.

La cumbia nace como un coqueteo, que no sucede en el bullerengue, en el que el negro quiere meter la mano por debajo de la falda de la indígena, ella lo esquiva con la falda y de ahí nace el famoso faldeo que se utiliza en la cumbia. En términos generales sí es más coqueto que otros géneros afrolatinos, y la columna de las mujeres es más erguida porque las indígenas eran más bajas que los negros.

No significa que las negras no hayan bajado a los socavones. Es un baile exigente con las piernas, y por el casi roce entre las rodillas la cadera se mueve más, pero el origen del movimiento no es la cadera, sino las rodillas.

3.- Mapalé. Tiene el origen en un pez, que se llama de la misma manera. El pez cuando es pescado, hace ese movimiento que se usa luego en el baile. Casi es una catarsis, y su centro motor son los omóplatos.

Es complejo tomar el hilo del movimiento pensando en querer tocar los omóplatos por detrás, pero una vez que suena la música es más sencillo. Johanna nos cuenta que hay un baile muy similar que se llama Sabbá, que termina con un salto como si tomara un "algo" que regresara a la tierra al bailador o bailadora.

Hay teorías que dicen que el Mapalé hace entrar en trance a quienes lo danzan, y por eso es necesaria esa ancla a tierra, otras versiones dicen que un demonio posee a quienes bailan Mapalé, y hay quienes aseguran que han visto a las mujeres convertirse en hombres cuando se dejan poseer por el ritmo.

A mí me pareció delicioso y extenuante. Partir del centro motor omóplatos hace un movimiento muy orgánico, pero el resto del cuerpo es bastante más libre que en los otros dos géneros anteriores. Además poco a poco el cuerpo se mueve de formas que la mente no se espera, pronto te ves haciendo movimientos que no sabías que tenías.

Mucho de los movimientos africanos tienen origen en los animales, y el cuerpo los dibuja porque la danza era un lenguaje de explicación entre los esclavos. Y los símbolos que usan las manos, como machetes cortando la maleza de la selva, cuentan una historia con el cuerpo que no requiere más que ser vista para ser comprendida.

Johanna nos recomienda ver a Germani Agnosi, pero creo que me grabé mal el nombre porque no la encuentro, así que si alguien sabe el verdadero hágame saber.

La historia de esta bailarina es que estudió ballet toda su vida y se hizo experta y la mejor en este tipo de danza clásica, pero un día el baile perdió el sentido para ella y se retiró a vivir en el bosque de su país natal en el corazón de África. Ahí veía a los animales y comenzó a imitarlos, al darse cuenta que su verdadero espíritu en el baile estaba en las danzas africanas, empezó a practicarlas y les agregó ballet.

Ella es quien aplica las figuras animales en el ballet y hace más estético y más bello el lenguaje de la danza sin perder el corazón animal del centro de África.

Pronto haré la siguiente entrega de mis conocimientos incipientes en las danzas afrolatinas.

Magnetic Dance Studio

Con el inicio del año se inician también los propósitos de año nuevo; les comparto una buen alternativa para los padres de familia que buscan activar los talentos artístico dancísticos de sus hijos. Y para los 'grandes' a los que siempre les gustó bailar pero no encontraron nunca el tiempo, la plata, o la motivación.

'Magnetic' es un lugar perfecto para trabajar la danza con profesionales. Hace algún tiempo yo le había registrado una entrevista a su director Alex Peña (El arte menos importante en Ecuador), así que no hace falta que mencione que es un tremendo artista a carta cabal que goza de la profunda admiración y respeto de quien escribe. 

Su sueño siempre fue abrir una academia de danza "de verdad", así que con el sueño cumplido, los invito a participar de Magnetic Dance Studio, conducido por Alex y que está integrado por un selecto grupo de artistas de la danza que aseguran una experiencia entretenida y llena de técnica 'limpia'.

Acá les dejo el link de twitter de la escuela y su trabajo. Invitados todos.

Advertencia: El derroche de energía de Alex es ABSOLUTAMENTE PROPORCIONAL a lo que usted deberá hacer en sus clases. Pura buena vibra.

Instagram: Magnetic Dance Studio

Twitter: Magnetic Dance Studio

Facebook: Magnetic Dance Studio

El cuerpo salvajemente bello

Volviendo al único tema que llena el alma completamente y deja el corazón empachado de felicidad y nos aleja de las cosas horribles y feas, y tristes... está el arte. Encontré a Wild Belle, es una artista estadounidense que tiene una música súper atrapante que mezcla lo que parece pop en esencia, pero tiene atisbos de R&B y un poco de jazz, me la encontré hoy, y no dudé en que debía hacer saber de ella por lo menos a alguien más, es lo bueno de las redes hoy en día, se puede compartir lo bonito.

Cuando una quiere de pronto no pensar y solo sentir, y en el universo musical hay algunas que parecen sedantes como esta música, con esta artista que invita kinésicamente a empujarse a sí mismo a bailar, a disfrutar y a reírse, el cuerpo se encuentra con su naturalidad, con la libertad de vivir y de crearse una y otra vez, de reinventar el movimiento y cada línea y curva del cuerpo.

Qué más decir, son todas buenas de esta artista, escúchela, y no una ni dos, sino todas... y luego hablamos.

Currumbao, desde el corazón del agua dulce.

Para la entrada del día he querido dejar a una apuesta musical movida, bailable, con vida. Currumbao es una agrupación compuesta en su mayoría por quiteños, que fusiona su nombre al igual que los géneros musicales con que trabaja, de la formación de cuero, rumba y tumbao, Currumbao. Es interesante porque rompe con el esquema de que en Quito no se hace música bailable o solo la tradicional.

Currumbao, que lanzó hace poco su disco homónimo en el teatro Variedades es una picazón de sabor, de invitación a bailar y de contagiarse con estos ritmos descendientes de la marimba, del son, de aquellas melodías africanas que al hacer contacto con la tierra, queriendo o sin querer nos hacen mover los pies.

YouTube oficial Currumbao

Les comparto como siempre, la canción que me hizo a mí conocerlos musicalmente, pues en persona con un par de ellos ya me conocía desde el mundo del arte también. Grandes músicos con una historia por escribir todavía, que ha comenzado y viajado inyectando su sabor hasta en España, y sin duda que estos talentosos músicos por lo menos le hacen menear los hombros, así que la recomendación como siempre, es que los busque, los escuche y los apoye.

El arte menos importante en Ecuador III

Esta tercera y final entrega sobre el escueto abordaje sobre la danza y el baile en el país trae a Valeria Alarcón (que espero, no me ahorque por publicar su entrevista, aunque sabía que iba a ser pública). Valeria, bailarina y maestra de ritmos tropicales, considera que el artista siempre debe pensar en beneficiar de una u otra forma a la sociedad, o por lo menos de una parte de ella, hay que hacerlo sin involucrarse con el gobierno, porque ellos ponen las condiciones de cómo hacer el trabajo, y esa no es la idea.

No duda en afirmar que existe un ‘círculo rosa’ en la cultura, que sabe cómo funcionan las cosas y por eso no les conviene socializar propuestas que impliquen dividir dineros entre artistas, prefieren mantener a la mayoría en la ignorancia, y dice que la razón de no conocer las leyes (por parte de los artistas) es justamente esa.

Para acceder a los “bonos” que el gobierno entrega en el sector artístico, hay que sortear todos los peros y obstáculos que ponen las instituciones, e incluso sostiene un argumento que ya se ha escuchado varias veces y es un secreto a voces entre artistas. Cuando vas con un nuevo proyecto, que resulta en una buena idea, no sólo que no te aprueban, sino que se roban tu propuesta, la copian y te la devuelven, luego la relanzan como idea de ellos mismos. Nadie delata esto, primero porque no hay pruebas, y segundo porque te mandan preso por calumnias si lo intentas.

Dice que las buenas ideas que rondan la ciudad de Quito, se deben a las propuestas de la misma gente, por eso tampoco cree en pedir nada a los gobiernos, sino en seguir trabajando como individuos para generar más ideas. Valeria trabajó en el proyecto Quito Juega de la Administración Municipal anterior en la ciudad, y sabe que esa idea, no nació del Municipio, sino de uno de los líderes comunitarios que propuso un formato que se acogió al Municipio y por eso salió a flote.

Considera que sí hay un cambio con respecto a los prejuicios sociales sobre los artistas, pues dice que ella es de las últimas generaciones que recibieron esos prejuicios desde sus familias, pero como les tocó vivir la realidad de ser artistas, entonces cambiaron las nuevas generaciones con su ejemplo y su trabajo. Además de recalcar que en Quito hoy, más del 60% de la población son jóvenes, y esos jóvenes, que recibieron formación, ya tienen una concepción diferente sobre los prejuicios.

En el área de recibir a los medios como soporte, ella es una heredera del pensamiento que han vendido los medios siempre, pues piensa que son los artistas los que deben buscar a los medios. Un claro ejemplo de que una mentira dicha cien veces se convierte en realidad. Y dice que la radio te da más espacio que los demás medios en materia artística, pero sólo si vas como entrevistado.

Resumiendo, y recapitulando los tres puntos de vista de Alex, Carla y Valeria, como una muestra muy ínfima de los cientos y miles de bailarines de Ecuador hay cosas que quiero destacar y que ellos comentaron también en sus entrevistas. En la rama de la danza, existe la creciente tendencia a pensar que solo los bailarines que tienen formación clásica son los que sirven, los que 'en serio saben'; los demás no.

La envidia que rodea el mundo del arte en nuestro país ha hecho que los primeros contra quienes tienen que defenderse nuestros artistas sean los mismos artistas, nunca se logra un conglomerado unido para solicitar lo mismo a los diferentes poderes porque entre los mismos bailarines y danzantes no hay acuerdo sobre que todos forman uno solo, están para ellos lo que hacen el verdadero arte, y los que hacen estos géneros urbanos o libres que, al no tener escuelas (porque no existen) entonces no están a la altura de las pocas academias que forman a los privilegiados en danza contemporánea, o clásica, o tropical.

Pienso que el Ministerio de Cultura, debería tener un subministerio del Arte, o mejor aún, crear un ministerio de arte que incluya las diferentes formas de hacer arte, y entre las subdivisiones se encuentre la danza, que a su vez se vaya dividiendo en todas las categorías de danza y baile, y se ponga a cargo a personas que puedan conocer y trabajar 'pro danza' para que podamos entrar en ese sueño de hace años de Benjamín Carrión de ser potencia cultural.

Sin embargo acá ni siquiera se entiende del todo la palabra cultura, no se entiende que la cultura artística nada tiene que ver con el que arquitectónicamente se haya nombrado a Quito primer patrimonio cultural de la humanidad en un lejano 1978 que está lejos de conocer lo mucho que ha crecido la ciudad en materia artística, y que eso es TAMBIÉN cultura, y no toda ella. Que ser patrimonio, no es la única arista de la cultura. Cuando pasemos ese debate, el de conocer estos conceptos y definirlos acorde a nuestra realidad social, ahí, recién ahí, podremos saber qué mismo va a hacer la Universidad "De las Artes" por las artes todas, y no por las audiovisuales que casi encasillan en instituto de comunicación audiovisual y no en un centro que se ocupe de todo lo que pasa acá.

Dónde están los apoyos a la danza, al baile y al resto de artes. Bueno, poco a poco iré subiendo acá las opiniones de colegas artistas pero por ahora, pienso que el Ministerio de Cultura, está muy a medias todavía (ojo, que son años de revolución ciudadana) y que la Universidad de las Artes, está en 0.

El arte menos importante en Ecuador II

Tal vez hablar con una artista que también es periodista, daba confianza para comenzar la entrevista. Carla Ruiz estudia en las mismas aulas por las que pasó quien escribe y, como quien escribe, también divide su tiempo entre la música (de otra manera) y la comunicación. Como artista sabe que es casi imposible dedicarse al arte sin que el mundo entero se venga encima, por lo menos al inicio.

Carlita, como cariñosamente le dicen sus amigos desde hace años, es bailarina de Hip-Hop Jazz; ella está convencida como Alex (de la entrada de ayer) de que la independencia no existe, dice que es imposible que se asignen espacios para desarrollar su talento sin que por eso se quiera a cambio, que como artista se involucre con la entidad que está “apoyando” su trabajo.

El bailar este género de danza urbana, hace que la gente no aprecie lo que hace, o no como debería, muchas veces son tachadas de vulgares o gente sin oficio. Dice que a la sociedad le falta comprensión, respeto y tolerancia; y pone como ejemplo a Panamá, donde dice que hay una academia 'gigante' de danza, y que la mayor diferencia que existe con Ecuador, es que allá, todas las escuelas de danza son un solo frente, están unidas y se llevan bien. Acá, dice, hay mucha envidia.

Carlita fue invitada a dar clases en Makano, una de las mejores academias de Danza en Panamá, pero no pudo aceptar porque su madre le dijo que primero debía terminar la carrera ‘de verdad’. Un argumento que se repite casi en todas las familias de los artistas, incluso para este trabajo, son contados, y no pasarán de tres, quienes se dediquen solo al arte; los demás, todos tienen una carrera aparte, otro trabajo, etc.

Por este tema de la independencia es que para Carla, lo único que funciona, y también lo comenta como periodista, es el periodismo comunitario, entendido como el periodismo al servicio social, porque un artista no puede costear otro tipo de publicidad. Además, el periodismo comunitario es el que permitiría, según sus palabras, conocer más a fondo lo duro de este trabajo, para ella, quienes bailan hip hop son mucho más fuertes que las demás personas tanto del medio como del mundo, y se apura en asegurar que quienes bailan un género urbano como el de ella, muestran mediante su movimiento, que aunque tienen muchos problemas, su pasión por contar historias, les hace liberar sus frustraciones y sus miedos.

El área de las artes escénicas, incluida la danza en la Universidad de las Artes en Guayaquil no funciona en su máxima capacidad desde que fue inaugurada, incluso queda aún en el limbo la propuesta del Presidente que hacía mención que, al conocer que los artistas no tienen título, la UArtes iba a considerar los años de experiencia artística para 'rivalidar' los conocimientos y como se hizo con los camarógrafos, dar un reconocimiento escrito que pueda funcionar como una carta de estudios. De eso por supuesto, aún nada.

Mañana en la tercera entrega de estas tan escuetas y superficiales que puedo subir acá, voy a plantear las alternativas que considero pueden servir, y llegaré a conclusiones un poco más sólidas. Por ahora teoricemos con la danza como con el grabado, la escultura, la pintura, el teatro y demás artes que siguen siendo un bonito discurso junto a bonanza económica, cuando no hay plata, entonces el arte se deja otra vez para el último.

El arte menos importante en Ecuador I

A propósito de lo que dijo el Presidente Correa de repotenciar la Universidad de las Artes y el Yachay y el Ikiam, haré una entrega de tres entradas entre hoy, mañana y pasado sobre lo que piensan los artistas que se dedican a la rama de la danza, pues ellos, como demostraron con pruebas para mis archivos personales, consideran que la danza y el baile es el arte menos apoyado por las instituciones y por el público ecuatoriano, a quienes menos fondos se asigna, no tienen una agrupación formal ni beneficios que en otras artes, aunque poco, sí hay. Hoy comienzo con la entrevista a Alex Peña.

Cuando Alex Peña concedió la entrevista, estaba a punto de comenzar una jornada de baile fitness, que se centra en hacer ejercicio bailando, sin límite de edad con un costo de $2 la hora. Sus estudiantes esperan fuera del aula mientras se realiza la entrevista. Y en el aire se respira, esa energía de la preparación previa a la fiesta que está próxima a vivir toda la gente.

Alex es bailarín, su formación incluye varios géneros y esto lo hace como un trabajo, también trabaja en ‘Escenario’ que es una agrupación que baila Electro Magnetic Style. Para Alex, la mayor parte de la sociedad ve la danza igual que el baile, y él asegura que no lo es, la danza, cuenta una historia con el movimiento.

La danza requiere de formación, como él recibió, y no cree que es un hobby, aunque sabe que vive en una ciudad que ve su trabajo como una distracción; siente envidia de los países que integran a la danza en la educación, dice que conoce de países donde existen Universidades de danza, o academias grandes y que eso falta en Ecuador; para él, en este país el arte en general no tiene la oportunidad de ser visto como una profesión, y él exigiría más academias.

Sin embargo no le pide nada a los gobiernos, dice que el artista es un ser sensible, y que su espiritualidad nunca puede sentarse a dialogar con la política, porque los políticos no entienden de energías áuricas. Mejor pide a los padres, que son los encargados de crear la sociedad, que sean ellos mismos los que no generen discriminación desde la casa, sino respeto por la danza como profesión.

Le disgusta pensar que las nuevas tecnologías, boten a la basura su trabajo, haciendo referencia a que ahora se considera bailarín a quien copia una coreografía de youtube, y dice que eso no es justo. Para él, el trabajo que ha hecho por años le han valido sudor, sangre, lesiones, lágrimas y peleas.

El proceso de un artista, no es valorado, ni siquiera en los festivales, pues los jurados o el públcio evalúan un resultado final, pero no ven la convivencia que tienen los integrantes de cada equipo. Dice que en la danza es imposible ser independiente, y que si se pudiera tampoco le gustaría, porque parte de que hayan cosas positivas en el trabajo artístico, depende de lo que se aprende o se vive con los otros.

"El trabajo de una persona en la danza debe tener un concepto; analizar a dónde va, a quién se dirige y lo que quiere transmitir, porque existen distintos públicos y hay que acoplarse, una persona que utilice la danza como hobby, no sabe eso".

Con respecto a lo prejuiciosa que resulta la sociedad con el aspecto de los artistas, él tiene una explicación, dice que hoy por hoy lo que más importa es el aspecto, así se piense lo contrario. Aunque quienes tienen una formación, leen o son preparados en el ámbito educativo, según Alex, no son tan juzgones.

Con la energía impregnada, había que quedarse a admirar y disfrutar del trabajo de Alex. Entre los asistentes, que llegaban a las 30 personas en esa hora (luego habían dos clases más) habían hombres y mujeres, niños y hasta una ancianita de unos 75 años, según el cálculo. Estaban todos contentos con la presencia de cámaras y grabadoras, y comentaron que el llegar a la clase, es una peregrinación que hacen todos los días, no solo por los beneficios de hacer baile fitness, sino porque Alex les transmite un gusto por lo que hace, una pasión que contagia para luego llevarla a las demás labores de su día, eso hace un verdadero artista –dicen- hacen sentir a los otros lo mismo que ellos sienten.

La máquina más perfecta del mundo

Por mi formación actoral, el trabajo corporal no me es desconocido. De hecho el primer hincapié que tengo en mi vida es que cuidando mi cuerpo puedo hacer cualquier cosa porque es lo único que necesito para hacer arte, y cualquier actividad.

Encontré hace unos años un reality de baile en la televisión, y aunque este tipo de programas colman la televisión mundial, en especial ese reality me pareció interesante porque no estaban tratando de una persona bailando o de dos, sino de grupos completos, mixtos, de hombres, de mujeres, de niños, con elementos, con máscaras, con cuerdas, patines, etc... resumiendo, era un espectáculo verlos semana tras semana competir con retos distintos por el premio que realmente ahora no recuerdo cuál era, pero que a ellos les hacía dar su máximo y se notaba.

Estoy hablando del reality 'gringo' America's Best Dance Crew (ABDC), y aunque ya ha pasado tiempo desde la última vez que pude ver a todos esos talentosísimos jóvenes de todas partes danzar, ayer me antojé de ver nuevamente su trabajo. Me impresioné de nuevo, verlos a ellos, a todos, hace vibrar el alma y pone a pensar que realmente el cuerpo humano es una máquina perfecta capaz de hacer cualquier cosa y de adaptarse a cualquier circunstancia, que puede generar arte de múltiples maneras y que ya en sí misma es un único arte.

Les comparto un video de los campeones de la primera temporada, y los exhortó a que sigamos arriesgándonos con el cuerpo, jugando y probando que el cuerpo hace cualquier cosa. Maravíllense con estos cuerpos y bailen!